何智伟

作品阐述：

曾经以为，皮肤只是身体的表面。

后来我才明白，它其实是意志的边界。是我和世界之间，最脆弱的那层屏障。

AD从来不是简单的疾病。

它无声，持续，隐秘。像一场没有尽头的潜水，所有挣扎都只能在水下完成。

人们看见的，只是我皮肤上的一点红斑、一块脱屑；他们看不见夜晚发作的剧痛，看不见反复抓挠后留在床单上的血痕，更看不见那些被羞耻和孤独泡软的日子。

所以我做了这件作品，叫《表皮诗》。

用硫酸纸这种几乎透明的材料，一层层撕裂、拼贴、重叠。它像皮肤，也像伤口的地图。

每一张纸都在诉说，一个身体怎样学会了隐忍，一个人怎样学会了不说话。

我不是想用艺术疗伤。

我只是厌倦了沉默。

这不是一首好看的诗。

但它，是我亲手写下的那一层皮。

我们不只是病人，我们也是诗人，用皮肤写诗。

陈若帆

作品阐述：

本作品以矿物颜料和金箔为主要材料，在大自然中提取元素，运用金箔贴出光的形状，描绘宇宙的浩瀚之光与树叶的间隙的光。呈现出宇宙的浩瀚和自然的治愈。我会收集光，想留住光就像留住光阴一样。在创作的时候，根据岩彩的特性，不断的打磨和思考颜色在这个位置是否合适，反复覆盖的颜色在画面中微弱的体现就像记录光阴的流逝。光于时空之中无处不在，而创作恰似一场对光的收集——欲挽留流光，如凝驻光阴。

李鹏磊

作品阐述：

本作品主要以沙子、大漆、纸浆、金箔为材料做好丰富的色彩堆积打磨，再堆积再打磨，反反复复，最终形成的效果仿佛时间流逝后留下的古朴痕迹，在时光流转下，辉煌与落幕不断重叠，并遗留下丰富拙朴的色彩，拴马桩隐喻历史中的亮点，画面中的色彩痕迹与拴马桩覆盖了一层隐约的云雾，朦朦胧胧的清晰与模糊，增加了一丝神秘。

陈宝怡

作品阐述：

此系列作品取材我千疮百孔的智齿。因为先天条件不好，十多年来一直饱受治牙的折磨，龋齿——算是本人生命中最痛恨的存在之一。

创作之初预设了智齿治疗的不同阶段：龋齿形成 、钻孔补牙 、 材料受损、 疼痛肿胀 、根管治疗 、牙齿没营养后渐渐碎成一块一块……

本想按部就班的完成每幅的内容，但是在操作过程中又有新的想法产生，创作风格与表现手法逐渐不可控，遂取名为“龋语”，意为关于一颗龋齿的异想。

程亮驭

作品阐述：

本作品以“科技—生命—生态”三位一体的关系为出发点，采用数字雕刻与手工绘画结合的方式，构建出具备生长性与秩序感的视觉结构。作品呈现出人与自然、技术与生命间的共生关系，体现了艺术在新时代科技进步与生态文明建设中的表达功能与文化担当。

冯晓雪

作品阐述：

此组作品以黑白色调呈现，融合版画的强烈对比与卡通抽象的趣味性，通过简练的线条与夸张的造型营造视觉张力。作品主题聚焦于“冲突感”——既包含形式上的虚实碰撞，也隐喻现代社会中个体与环境的矛盾。画面中，几何化的角色与碎片化的场景相互挤压，疏离与对抗的情绪通过动态构图蔓延，而幽默的变形又为沉重的主题注入一丝荒诞感。技法上，借鉴木刻版画的刀痕质感，结合数字绘画的层次渲染，强化黑白关系的戏剧性。

郭志恒

作品阐述：

当前时代生活节奏加快，通信便捷，人与人之间的沟通交流的方式发生翻天覆地的转变。科技发展带来便利的同时，无形中增加了现实交流的隔阂。该作品通过线条切割和人物分布，用抽象的语言表现人们专注自身，注重个人边界，缺少与人沟通的社会现象。画面中的人或坐，或立，或躺，或跳跃，或沉思，他们相互独立，又属于同一整体，包含其中又显示出距离，表现了同一环境中个体与个体间丰富微妙的关系。

韩菲儿

作品阐述：

当下的每一个瞬间都会成为过去，未来会成为现在，而现在会成为未来。本作品采用七巧板的构图分割来表达中国当代人口迁移，将地理流动与数学美学并置，探讨个体在“空间位移”与“时间层叠”中的存在状态。在材料上面采用了滴胶的方式形成了琥珀一样的效果，意为留住了那一刻。看，这里有你记忆中的那一刻吗？

黄米兰

作品阐述：

我的灵感不是计划好的调研结果，而是在与材料长期相处、反复探寻中的自然发生，作品试图呈现生命存在过的痕迹，那些被说出或没被说出的感受，像游丝般残留在布面上随着时间游走、退散，最终回归到一种更沉默更柔软的自然秩序中。这是一个探寻、疗愈、和解的过程。每一层缝线与拼贴，既是某种 记录，也是一种自我对话；作品的正面如伤口愈合的创口，记录情绪、记忆与结构的演化；而背面则向观众开放，邀请属于你的留下。

它只是存在，在时间中展开，也在时间中被共同构成。

林耔汐

作品阐述：

木马回旋动态的凝固将瞬逝的欢乐转化为永恒的艺术在场，将记忆锚定于永恒的当下，旨在捕捉那些稍纵即逝却永镌在心的童年回忆。木马剥蚀的漆色与岩彩裂隙展现了不同物质在时间维度上的共生印迹，同时也进行了集体记忆与当代符号在传统媒介中的再生的探索与尝试。

李珈怡

作品阐述：

生长痛是青少年时期骨骼生长所带来的疼痛，而忽略其原意，就字面意思泛指为人在成长中经历的事或人带给他本身的难以磨灭的痕迹，这种痕迹不会消失，而是会造就他的成长。“只有经历过的我，才是现在的我。”作品所表达的是主观性的回忆、秘密、从众、割离。这种“痛”一直存在于每个人的经历中，看到作品的你会想到什么？

田蓉蓉

作品阐述：

在这幅作品中，我以土地的宏观视角展开，描绘了一个由微生物、矿物质和金属构成的隐秘世界。微小的生命在土壤中交织成繁复的图腾，象征着自然循环的力量——香料作为土生土长的自然物它的本体，暗示着生命与生长的奥秘。金属与矿物质的纹理交织，形成微观的生态系统，而图腾般的结构则隐喻着土地中无形却强大的生命力。通过视觉化的表达，我希望让观者感受到那些肉眼不可见的微生物如何默默滋养万物，成为大地永恒的守护者。

王碧珩

胡文瑾

作品阐述：

本作品借由众多嵌入女性劳作剪影的“时钟”为载体，探讨女性社会与家庭的双重身份，周而复始的劳作填满女性的时间线；社会对女性的“物化”——将其价值于特定角色与功能。这些“时钟”既是记录时间的工具，也是也是女性被固化身份的载体。本作品正是应用绘画拓印语言与机械钟表的结合，唤起对女性处境与身份的审视。

王榕榕

作品阐述：

自然肌体的侵蚀变迁，也映照个体在复杂世界中被打磨、重塑的灵魂轨迹，当微观层面的生命创痛与宏观时空的衰败产生共振，人类恰似行走于废墟之上的普罗米修斯——既以血肉之躯承接文明崩解的灼痛，又将精神火种播撒进荒芜，在存在的裂隙间培育出超越性的新生秩序。

吴乐怡

作品阐述：

作品以记忆中的童年小镇为创作载体，聚焦于经回忆滤镜反复重构的精神原乡，构建逃离现实的华胥梦境。创作以毛毡的柔软质地、综合版画的层叠印痕与碳材料的焦痕晕染，构建虚实交织的视觉结构，呈现记忆重构的美化机制和时代背景下情感联结的弱化困境，展开对当代精神原乡的解构性思考。

       画面撷取大树堡垒、公园里的捣药台、晾晒绳秋千等童年意向，以具象符号构建记忆场域，蜷曲的羊身人象征迷失的自我，龇牙的狗具象刻画作为现实介入的触发点，其粗粝形态打破回忆的柔焦滤镜，形成臆想与真实的张力碰撞。

南嘉仪

作品阐述：

在这片深邃的蓝调圆镜之中，鲸落以其最诗意的姿态完成了一场无声的轮回咏叹。流动的水波纹缓缓铺展，凝固起承载记忆的粗粝河床；古老的矿物结晶闪烁其上，赋予永恒以璀璨的微光。鲸鱼舞动于这静谧的蓝色宇宙，上方她身姿舒展，尾鳍如纱，在虚空划出完满的轨迹；下方仿佛沉入冥想，与上方生灵形成时空的奇妙对话。它们之下，一群幽蓝的小鱼如星尘般环绕、升腾，既是生命的絮语，亦是循环不息的低回和声，诉说着每一次沉潜与上升，每一次消逝与新生，都在此境之中，汇入那超越生死的、深邃而宁静的永恒之舞

吴雨桥

作品阐述：

作品是对“理想”形态的深度提炼与沉思，探索自然之力与工业文明间的微妙平衡，追寻一种新的自然之美与生命力的张扬。它引导观众反思人与自然的和谐共处、材料的个性呈现，以及在冷硬外表下所潜藏的对生命本质的渴望。大树盘根错节的自然力量，与具有冷静力量的工业化金属直线相撞，在这急速流转的时代，我们如何寻求那份理想的和谐。

徐一菲

作品阐述：

该作品以马王堆T型帛画为灵感源泉，采用纱与绢作为载体，将古画由单一层次转化为现代多元的视觉框架。运用岩彩等多种绘画技法，在纱层之间展现了天界、尘世与冥界的三重境界。画作继承了宇宙三界的架构，既是对两千年前艺术瑰宝的一次致敬，也是穿越时空的交流，那份永恒的诗意历久弥新。

袁鸽

作品阐述：

根系在地下交织，如一条条隐秘的暗河，将整片土地连成一体。 在无人察觉的缝隙间萌生出新的躯干， 它们舒展、舞动，在肉眼不可见的地下剧场里，上演着永不落幕的生命戏剧。这些交错的地下网络如大地血脉，将生命的力量输送到每一个角落。 当呼吸起伏，能量如潮汐般在虚实之间奔涌，悄然维系着生命微妙的平衡， 这种流动不仅是生理的，更是精神的。 每一次吐纳，都是与宇宙的低语，是自我与万物的能量共鸣，是万物生长的无形动力。

张婉玉

作品阐述：

本作品以高岭土、蛋壳、尼罗河沙和矿石颜料为主要材料，通过材质的对比与融合，还有各材料间白色的弱对比，探讨生命在脆弱与坚韧之间的微妙平衡。本作品的造型以真实蛋壳敲碎后的裂纹为参考，后进行图形转化。材质上左右形成粗糙和细腻的对比，周围以高岭土来表示生命诞生的环境，裂纹的形式来表示环境的艰苦；中间嵌入其中的蛋壳碎片则以其天然的弧度与脆弱性，暗示生命的容器。沙散布其间，既是环境的隐喻，也是时间流逝的痕迹。作品的粉色，为作品增添了一丝隐晦的生机，仿佛破壳瞬间的光芒。《坼生》试图呈现生命在受限环境中的顽强。蛋壳的破裂并非终结，而是新生的必经之路，在粗粝的沙与脆弱蛋壳的对抗中，生命以静默的姿态完成一场微小而壮烈的起义。

杨金旋

作品阐述：

此幅作品是一种对“宇宙秩序”与“人类意识形态”的高度抽象表达。人物融合“维特鲁威人”、“未来型人”与“卡巴拉生命之树”，象征意识与宇宙原型的同构，正如赫尔墨斯智慧传统所言：“如其在上，亦如其在下。”深蓝与白线代表理性在混沌中的探索，几何符号暗示认知进化的通道与阶段。作品是一幅视觉化的神秘哲学文本，不讲述故事，只提出问题：人之为人，是认知的主体，还是认知的囚徒？在几何的神谕面前，我们是否只能用“形式”去触碰“无限”？

周雪倩

作品阐述：

本组作品围绕“女性意识”展开，以纤维织物与岩彩构建出女性身体的象征性轮廓，呈现出柔软而坚定的存在感。其中所用到的衣物承载着身体的痕迹与成长的记忆，拼贴成的人形在覆盖与缝合中暗示身份的构建与认同的层层剥离。岩彩的颗粒感强化了身体的沉默与隐忍，色彩一冷一暖，形成情感与心理的张力。作品在显现与隐去之间，揭示女性经验中被压抑、被消音的部分，也试图通过“材料的回声”重新召唤那些微弱却真实的声音。它是一次私密而诗性的凝视，也是一种柔韧的反抗。

周心茹

作品阐述：

混沌的色斑是量子态的童年，蜷缩的自我粗糙的泥底如时空的褶皱，斑斓的画面是丰富的人生。遇见挫折时的伤痛与掌中里渗出的星辰融合。画面左侧人型参考此时毕业的自己回望着右侧混乱且无助的身影。脑海中无数的“可能自我”共享同一片意识原浆。那些拒绝定义的色块，实为存在主义困境的终极解药--“我”从未消逝，它只是以概率云的形态，永恒坍缩在每一次对星空的凝望里。

朱艺鑫

丁远哲

作品阐述：

在人类社会精密交织的合作网络中，个体是维系整体运转的关键节点，如同神经元通过突触紧密相连，构建起支撑思维与行动的神经网络。人们在合作交流中编织出庞大的社会体系，却也在无形之中形成了层层枷锁，被困于复杂的社交规则、繁重的压力与程式化的生活，如同作品中身陷深潭的人形，渴望挣脱束缚，寻求一份清净和安宁。

朱泽蕙

曾智睿

作品阐述：

作品以多种形态呈现，旨在探讨在数字视觉霸权时代，如何通过绘画媒介对理性的设计元素进行“去功能化”重构，通过绘画重新赋予设计元素以“肉身性”，以解构式的设计符号在画布上构建视觉经验的考古现场，试探绘画性与设计性、理性与情绪的边界。 观众面对此作品并非进行快速的信息解码，而是被邀请进入一个沉浸式的视觉考古，去感知、体验、拼凑、这些符号本身脱离功能后所释放的情绪和诗意，是对习以为常视觉编码规则的悬置。

马希利亚

作品阐述：

我不想要黑夜，

除非晨曦把黑夜融于金黄与蔚蓝。

灵魂不知晓的东西才是我最想要的。

以葡萄牙诗人佩索阿的诗歌为灵感，找寻色彩与自身内在世界的平衡，通过对不同意象的解构与转译，用具象的风景结合不同风格的画法来展现内心对宇宙繁复万物的好奇与探索。

陈昱晴

作品阐述：

虽充满劳绩 人 仍诗意地栖居于大地。我们在单向度的指标下 对景观的迷恋中 疏远了社会与现实 疲惫在传送带上异化成了维持生存的点滴。但是你是否会愿意在某个区间停下，徘徊于下一个“门”前。这不难，也很难。或许这是一条正确的路？或许应该用更深刻的方式 体验生活 如某位诗人所说“用维埃拉风格表达马拉美的敏感性；用贺拉斯的身体做魏尔伦的梦；做月色里的荷马”敞开一切可能去感受去体会，没有什么可以辜负 ，没有什么正在被辜负。我在画这幅画的时候享受了流动的蓝色，朴朴实实地画，这是我为这个阶段留下的真诚的手记，饱和又充满希翼的蓝色时期，你在最好的阶段结束了，没有比这更好的事了。