陈星宇

作品阐述：

在当今AI的时代背景下，人工智能逐步渗透人类生存维度的时代，我们对人工智能有所好奇也有所焦虑，好奇是因人机共存的可能性和对未来的思考，焦虑是因为当人工智能的兴起会替代劳动力以及未知的事。所以现在的人机关系更多的是崇拜和焦虑共生的关系，作品以智能机械狗为媒介，研究人工智能可以为大家做什么以及大家想让人工智能做什么，引起大家对人工智能的思考，同时也展示人机协作的可能性。

陈一萌

作品阐述：

本作品以古代“结绳记事”制度为灵感原点，结合现代交互技术，构建一座影像记忆装置。每一个被触碰的“绳结”都会触发一段关于2025年某日某时的影像：或是宏大的世界新

闻，或是一只蚂蚁的消逝、一位老人走过的影子、一场被人遗忘的演出。这是一种非等级化的尝试，强调事件本身的平权性与感知的民主化。

成昱锟

作品阐述：

全片以实验音乐影像为创作基底,通过非线性叙事的表现社会语境中的一系列行为以及具有情感倾向隐喻的镜头,结合古典乐电子乐以及实验音乐类型的配乐声音展开“人类对于孤独感的抗拒是否是拥抱生物本能”这一问题的探讨,从而衍生出对生物本能与情感意志力本质的尝试探索,作品以此为中心展开,传达对于自我与内心的凝视与思考

郭天航

作品阐述：

作品以游移不定的蓝、白、红影射自由、平等、博爱，却暗指其如梦幻泡影，难以捕捉。标题中的戏谑更强化了对虚幻符号的解构。所有尝试——无论是理想的追寻、价值的寄托，抑或物质的渴求——终成徒劳的挽留，提示观者那恒久的真相——你什么也抓不住。

华雨凝

作品阐述：

根据伍尔夫的意识流小说《到灯塔去》改编：拉姆齐先生全家和朋友们到海滨别墅去度暑假。拉姆齐夫人答应六岁的小儿子詹姆斯，如果翌日天晴，可乘船去游览矗立在海中岩礁上的灯塔。由于气候不佳，詹姆斯到灯塔去的愿望在那年夏天始终没有实现。第一次世界大战结束后，拉姆齐先生和子女、宾客重游故地，詹姆斯终于如愿以偿，和父亲驾了一叶轻舟到灯塔去。但是岁月流逝、物是人非，拉姆齐夫人早已溘然长逝。

黄嘉淼

作品阐述：

施工围挡作为人类领地扩张的物理边界，每一块铁皮都是文明扩张的“界碑”，其标准化的草皮图案恰成一种讽刺性的“自然代餐”这种工业化生产的视觉补偿，掩盖着背后真实的生态破坏。露营装备暴露了人们灵魂深处对自然的渴望，人们对自然的渴望被禁锢在冰冷的工业基座之上。装置通过材质与物品的矛盾组合，既揭露了人类对自然的侵略，也表达了人类在异化中对本真的追寻，引发观者对人与自然关系的深刻反思。

黄子芯

作品阐述：

基于弗洛伊德“梦是潜意识的体现”，作品引用短片《荒唐童话》进行二次创作。观众触发装置时，费纳奇镜的残影和实时捕捉的瞳孔结合，生成流动的梦境拼图

李彩绮

作品阐述：

我用各种进行其他行动所产出的心电图去生成模仿我约会时的心电图，并用影像记录，数据化我的情动和其他事件给我带来的情绪变化，描绘我对心动的追求，和企图用别的生活方式代替以追求亲密关系和暧昧带来的短暂的快感为中心的生活方式。

或许我是在积极找新的生活方式，也说不定我是在自欺欺人。

李程

作品阐述：

想让时间在此停留。那些微不足道的瞬间：指尖轻触琴键、凝望海面的眼神、雪地中一句呼喊，被抽离出原有叙事，缓缓展开。作品选取了三段出自九十年代影视作品的片段，将它们置入一种新的观看结构之中。三屏如同时间褪色后的记忆底片，细节被放大，节奏被拉长。影像似断非断，尝试在流动的影像中制造出停滞的可能，就像那永远不会被真正按下的暂停键，画面仍在继续，而时间，已在某处静静止步。

李莞祺

作品阐述：

螺洞中心的透明影像如同记忆的溃烂点，二次元形象的“我”被困在了自我记忆所构成的螺旋的时间回廊中：我们记住的从来不是事件，而是大脑后期渲染的动画版本。影像呈现出一种虚实相生的效果，强调了记忆的模糊性与多维度。记忆并非是固定不变的，而是随着时间和个体的主观感受而不断变化。通过这种影像呈现方式探讨记忆的本质，以及个体将如何在记忆中寻找自我。

李昊阳

作品阐述：

来自内在情绪的压力所带来的危机感左右着个体，柔软与尖锐的对抗，随时突发的破裂所带来的压迫感，不断重构和消解着。来自内部的隐锋不断刺痛着，瓦解着柔软的外形。难以面对，却又无法逃离。当机械与神经的界限逐渐模糊，防线一次又一次地被攻破，人们是否还能继续保持理智，平静的呼吸？

李嘉欣

作品阐述：

本行为影像是针对家庭亲密关系的思考，分为四章节：《焦尘》烧掉腰带并涂抹在后背，铭刻痕迹刻在身体地图上的过程；《堵》借肉身堵住水流隐喻记忆的不可控渗透；《候鸟悖论》以稻谷象征离乡者携带的乡土基因，情感归乡与精神流亡间的结构性困境；《噬》通过黑暗吞噬与微光存续的辩证意象指向创伤经验中的后成长韧性。作品以身体作为媒介，物质残余成为记忆载体，在不可言说之境中开辟出基于痛感美学的自我表达。

李文仪

作品阐述：

这是一场关于个体如何在自我凝视和社会规范之间不断摆荡的影像作品，探讨了“自恋”与“服从”之间微妙的关系。以lectureperformance形式展开，讲述《自恋与服从》一书中的概念，演讲过程中每隔一分钟便会被铃声打断，迫使自己进行自拍，这种重复行为既非完全出于强制，也非纯粹基于理性，是在不确定性中出于某种“自愿”而服从。在演讲的背景中，被投影的内容是此前阅读时的思想漫游，构成了自我观看的二重奏。

梁承彬

张景瑞

作品阐述：

作品以 “外卖包装 / 消费广告” 为创作元素，将外卖包装速朽周期化为视觉符号，“30分钟”隐喻其功能归零。通过堆砌外卖袋、广告牌构建 ，呈现 “一次性餐具浪费”“过度包装污染”“消费主义符号泛滥聚集” 等社会现象，探讨城市群落与外卖方式的关系以及当代人们消费饮食观念的变化，借群落式元素隐喻工业化对城市与生活的影响，激发公众对便利与可持续的深层思考。

林毅

张昊东

作品阐述：

这是一场关于视觉感知的虚构实验。红气球从视力测试中浮现，引导观者穿越森林、沙漠、海洋、城市，坠入一个光谱裂变的世界。色彩不再是自然属性，而是认知构成的协议。色盲并非缺陷，而是一种通往“非标世界”的入口。当既定可见行消退，知觉得以松动，万物显现原本的缄默。色觉之异，如梦之偏轨，唤起我们对“看见”的本体性疑问。

刘晶晶

作品阐述：

中式木桌的厚重与北欧极简餐桌拼接，接缝中存着我儿时的思绪，四把椅子被锯断重组—不稳定的接缝与失衡的支撑结构又揭示重组家庭在表面“功能强化”下的内在脆弱性。

他们围着桌子说"现在是一家人了"，但椅子总是摇晃。两张桌子的桌面永远没法融合，就像我卡在两种血缘之间，既不是旧家庭的遗孤，也算不上新家庭的零件。

刘坤

作品阐述：

表演者以木凳为基本单元，沿着木凳边缘不断向上叠加，在重力场的垂直维度构建起一座随时可能倾覆的装置。凳脚与地面的接触点随着层高增加愈发微妙，木结构在空气震颤中摇晃的阴影，与表演者屏息凝神的肢体形成共振。

当每一层新的平衡达成，表演者便以肉身作为校准仪，以高度紧绷的体态穿行于自造的建筑骨骼之间--这种危险的双向验证构成了作品的核心:既是建造者又是测试体，既在创造秩序又在解构稳定。

刘晏良

作品阐述：

我以社交回避作为主题，尝试表现个体在现代社会中对亲密关系的逃避、对外部世界的抗拒。通过弱化互动反馈呈现出一种消失的状态。还原了该群体在被他人靠近时的本能回避，以及面对他者时想要降低自身存在感的心理机制。结合集成艺术的拼接，打破维度限制，将技术、空间、行为、场域融合成为一个整体，衣物成为了社会身份的象征。在面对它时不仅是在观看，也在参与一种关于亲密关系和身体界限的思考。

鲁思睿

作品阐述：

该作品以废旧的金属铁窗与童年剪纸画为媒介， 构建了一场关于禁锢与自由的视觉对话。铁窗 的冰冷、锈蚀与磨损，象征着秩序与规则。而 镂空其间的稚拙剪纸源于我儿时的画作，以鲜 活的色彩与天真线条，投射出未被驯化的想象 力。两种材质的碰撞，使坚硬的框架转化为承 载记忆的窗口:当光线穿透剪纸的缝隙，在地 面重现那些原始的童真图案时，铁窗的封闭性 被彻底解构，转而成为连接过去与当下的叙事 载体。

罗孝蕊

马婧成

作品阐述：

在这个提倡效率的当代生活中，作为都市学生的我们生活在在教室-校园-家这样高度功能化的空间序列里。商业空间被异化为集体疗愈的场所，其本雅明式的"闲逛者"(flâneur)体验便消解在拥挤的人潮中。我的创作正是对这种困境的回应：通过在消费主义空间内部构建一个异质性的"私密飞地"，这个项目试图重新协商公共与私人、集体与个体之间的边界关系。

马玉梅

作品阐述：

在女性生命历程中，更年期是一个重要的转折点。它是传统观念的“衰老”“失去价值”的刻板印象，更是社会以及家庭对处于更年期女性严重忽视的问题。在被忽视的环境中，更年期女性其实渴望被理解同情。可因为被种种羞耻包裹，几乎没有媒介可以让她们畅谈自己的身体,所有症状和情绪都被深深隐瞒。我开展了关于女性更年期社会调研，通过详细专业的讲解、互动讨论和身体对话收集到更年期女性真实生活体验。

莫詠友

石凤怡

作品阐述：

这是一个关于寻找的装置——寻找曾经存在过的温暖、归属与情感连接。童年的记忆在时间中逐渐破碎、模糊，亲密关系的缺席使它难以被完整叙述。

我用织物、家具与私人物件构建出一个半真实的空间，一张床成为情绪的容器，承载着未被说出的话与未被回应的触碰。

“做梦的地方”不只是睡眠的场所，也是曾经相信爱、相信亲密会发生的地方。现在，它变得模糊，但我仍试图靠近。

唐嘉乐

作品阐述：

这件艺术装置以欧松板与不锈钢管构筑一把座椅，体现打工人的生存状态。其灵感源于当代上班族日常活动半径被压缩在方寸之地的现状——实如困在工位上的婴儿。 转椅虽模仿游艇方向盘般顺滑，却暗设阻力，隐喻“困境的阻隔”；椅面前倾5度，强制身体绷紧，讽刺所谓“隐形健身”身在其中，却能感受到无论身处何地，皆被无形的算法锚定。

韦秋莹

作品阐述：

作品以核废水污染为灵感，核污水的肆意排放成为海洋生态的罪魁祸首，工业废水的注入让清澈的海水变得混沌不清，水质的剧变迫使海洋生物走上变异的畸形之路。大小不一的鱼缸如同一个个牢笼，陈列在眼前，每个容器中，被污染而变异的鱼正奋力摆动着畸形的尾巴，在水中徒劳地挣扎。在海洋污染日益严峻的当下，生态破坏的恶性循环持续加剧，我们未来看到的，是否终将只剩下这些由污染催生的、失去自然生命力的 "变异怪物"？

魏佳芮

作品阐述：

这件由六道残破的门构成的六角囚笼，是认知的囚笼。门作为空间分割的符号，每一扇门框定一个观测角度，六面闭合却未封顶的结构，暗喻人类对暗物质认知的局限：我们始终在三维牢笼中仰望不可触及的真相。笼中纠缠的猩红丝线并非束缚，而是捕捉的轨迹。那些试图捕获暗物质的丝线，最终缠绕成人类的形状。而我们注定在自我构建的认知的局限中，永恒追捕那些构成我们却永不回应我们的物质。

武茗洋

作品阐述：

当透明的屏障被误认为自由的天空，碰撞便成为对真实最荒诞的注解作品名悔目意为后悔和看见，正如那句谦卑的白鸥不会怨恨无色的坚壁，只会忏悔自己望向天空的眼睛此次作品以鸟类因无法辨识玻璃存在而撞击致死为基点，使用玻璃钢等材料制作的一件装置，作品呈现出一只金属质感的类鸟生物。镜像催生认知真空，城市迷宫永续重构生存空间。当真实被翳蔽、空间被畸变，自由意志宛如折翼飞鸟，在重力撞击下，与隐形桎梏相互崩解、共赴消逝。

杨晨

袁静

作品阐述：

原生家庭是一本未完成的日记，字里行间布满矛盾的折痕。他们给予生存的养分，却吝啬情感的阳光，让我像种子在贫瘠土壤里挣扎生长。渐渐学会像贝壳般生存——用坚硬抵御风雨，内里仍存柔软。在孤独中自愈，在缺憾中圆满。越是独立，越渴望被理解；越是沉默，越向往自由。我追逐着自我完善，将未得的爱炼成自给自足的能力。这种保护性的生长，既是对自由的渴望，也是向世界证明：即使没有充足的温暖，生命依然可以绽放自己的姿态。

袁梓皓

作品阐述：

灯光聚集之下工位上的所作所为，一举一动都变得无所遁型，作品主体用夹子台灯将灯光聚集于工位之上展现，桌面使用日常所需物品进行工位布置与重复的展示，展现工位上枯燥重复的生活，同时，桌面上的一丝不同也如同破土而出的植物一样展现着工位上近乎消失的个性，但主体仍是展示枯燥生活。桌面上的视频，看似与正常生活事物的布置仔细观察也有着不同于日常的外形与材质，以及桌面冒出的章鱼触手仿佛昭示着看似平静下的异化

张博语

作品阐述：

作品核心在于创造人际关系的空间可能性，即使这种关系是象征性的、精神层面的或延迟发生的。同时通过材料语言的叠加让“想象的载体”得以具象化，但恰恰说出了人从来不是在广阔天地中寻找自由，而是在方寸之地的裂缝中，用记忆的根须撬开未来的岩层。课桌同样是壮游的起点，也始终生长着比宇宙更浩瀚的「天地」。

张菀婷

作品阐述：

作品分别通过冰、针、蜡三种物质与身体的对抗性互动的行为影像为核心，展开一场以身体为介质的辩证实验。冰块的消解、蜡烛的融化、穿针的感受，都是对忍耐的极限以及时间流逝的不可逆性的考验。

曾驿雯

作品阐述：

运用交互科技与仿生学原理，构建一个感知与响应的能量场域。装置将人体抽象为无形的“经络网络”，借鉴针灸“候气”、“得气”的精妙感应，探索生命能量“气”在虚拟“经络”中流动与平衡的交互可能

郑婷依

作品阐述：

空床上的身体印记，映射出女性身体在消费主义与市场审美中的“缺席”。

炫彩白漆象征着被包装与消费的外在形象，凹陷的标准人体轮廓与珍珠，隐喻着身体的标准化与商品化过程。

当身体的每个细节都被市场定义，女性是否仍拥有自身的叙述权？

珍珠散落于展场角落，观众在拾取的同时，也悄然参与了她“存在”与“价值”的塑造。

白清仪

作品阐述：

通过田野调研文本与多声道声音装置，构建了一个关于社会边缘群体身份认同的隐喻空间。文本碎片化辑录了被调研的少数群体口述史，以非线性叙事呈现后现代语境下“自我”的消解与重构；声音层则混入环境噪音、模糊独白与间断低频震动，模拟意义真空中的精神悬浮状态。作品试图揭示：当集体叙事崩塌后，边缘个体的生存策略，身份认同的选择既是对虚无的抵抗，亦是对存在本质的荒诞注解——当一切都变得可选，你会选择成为什么？